A lo largo de la historia, el cuerpo de la mujer ha sido moldeado, contenido y normado por estructuras culturales, religiosas y sociales que han definido qué zonas son admisibles y cuáles deben ser silenciadas. La sensualidad femenina, entendida como una dimensión natural e integral de la experiencia humana, ha sido sistemáticamente reprimida bajo códigos de pureza, moralidad y deber reproductivo.

ENVOLVENTES surge de la tensión entre esa represión histórica y el impulso inevitable del cuerpo por existir en sus propios términos. El corset, símbolo material de ese control, es el punto de partida: amarra, aprieta, sostiene y resalta de forma irreal las zonas que la norma ha querido domesticar.

La colección interviene dos zonas del cuerpo con una carga simbólica e histórica específica: las caderas y el cuello. Las caderas, zona morfológicamente asociada a la procreación, la sensualidad y el erotismo, han sido históricamente sexualizadas, vigiladas y controladas. El cuello, en cambio, condensa el silenciamiento de la voz femenina: lo que no se puede decir, lo que no se debe mostrar.

Las prendas no cubren: envuelven. La diferencia es crucial. Donde el corset histórico apretaba y uniformaba, ENVOLVENTES abraza la morfología del cuerpo y la hace visible, la resalta sin imponerle una forma ajena. El gesto de envolver es, a la vez, un acto de cuidado y de reivindicación.

El marco conceptual del proyecto se construyó desde la tensión entre opuestos: lujuria y pureza, deseo e inocencia, origen biológico y mandato moral. La dualidad que atraviesa la experiencia femenina, obligada a sostener simultáneamente la imagen de la virgen y la carga del deseo, fue el eje interpretativo desde donde se tomaron todas las decisiones formales y materiales.

Se analizaron estructuras de corsets históricos desde el siglo XVI al XX, así como referentes visuales provenientes del arte barroco, la fotografía contemporánea de moda y el performance corporal. La paleta cromática, blanco crudo, rojo intenso y vino, traduce visualmente esa misma tensión: la crudeza de lo no decorado frente a la intensidad del deseo contenido.

• Análisis morfológico de corsets históricos del siglo XVI al XX.
• Investigación iconográfica sobre la representación del cuerpo femenino en el arte.
• Wordboard conceptual: lujuria, pureza, dualidad, sensualidad restringida.
• Referencias en performance corporal y fotografía de moda contemporánea.

La elección material fue deliberada y cargada de significado. La CREA —tela de algodón crudo, sin teñir, sin acabado decorativo— evoca la ropa interior antigua: funcional, honesta, sin pretensión estética. Representa lo que el cuerpo usa para sostenerse a sí mismo, sin buscar ser visto. Su textura áspera y su color sin procesar contradicen la lógica de la seducción y proponen, en cambio, una belleza que surge de la verdad del material.

Las rosas en el cuello operan desde otra lógica: condensan la representación histórica de la mujer como objeto bello, frágil y ornamental. Pero las rosas tienen espinas. Lo que se exhibe como adorno lleva en sí una potencia que no siempre es visible. Las espinas no se muestran, pero están. Toda la colección fue confeccionada íntegramente a mano, con técnicas de costura estructural, apliques volumétricos y terminaciones que privilegian la presencia material por sobre el acabado industrial.

El proceso de confección fue completamente artesanal. Cada pieza pasó por múltiples iteraciones de patronaje, prueba sobre el cuerpo y ajuste, buscando que la prenda respondiera a la morfología real de la modelo sin imponer una silueta artificial. Se exploraron distintas estructuras de ensamble, derivadas del estudio de los corsets históricos, adaptadas para envolver en lugar de comprimir.

Las técnicas utilizadas incluyeron costura estructural con ballenas, apliques volumétricos de tela fruncida, construcción de rosas en tela trabajadas a mano, y el uso de ojales metálicos como referencia directa al sistema de ajuste del corset tradicional. Cada decisión técnica estuvo motivada por el concepto: el proceso de hacer la prenda replicó, en pequeño, el gesto de la colección completa.

La colección fue presentada en un desfile realizado en el Museo Histórico Nacional de Chile en 2025. La elección del espacio no fue casual: un museo dedicado a la historia de Chile como escenario para prendas que interrogan esa misma historia desde el cuerpo de la mujer.

La sesión fotográfica de registro fue realizada con modelos de disciplina circense, cuya formación corporal permite una relación con el movimiento que va más allá de la pose. La flexibilidad, la tensión y la conciencia corporal de las modelos permitieron capturar la dualidad central de la colección: la sensualidad restringida que busca, a pesar de todo, encontrar su forma de existir.

ENVOLVENTES fue el proyecto que me enseñó que diseñar desde el cuerpo es, inevitablemente, diseñar desde una posición política. Cada decisión —el material, el corte, la zona que se interviene— es también una declaración sobre cómo entendemos el cuerpo femenino y su lugar en la historia. Aprendí que la investigación conceptual y el trabajo manual no son procesos separados: se informan mutuamente a cada costura.

También aprendí que la artesanía es una forma de resistencia. Hacer cada pieza a mano, en un contexto de producción masiva e industrial, es insistir en la presencia del cuerpo que hace, además del cuerpo que porta.

El upcycling es la práctica de tomar una prenda que ya existió, con su historia, su uso, su desgaste, y transformarla en algo completamente nuevo sin destruir lo que fue. No es reciclaje: es reinterpretación. La tela no desaparece, se convierte.

En CORALES, chalecos y jeans en desuso fueron desarmados y reconfigurados como base estructural de cada prenda. Sobre ellos, las enredaderas de coral tejidas a mano en lana crecen como lo hacen los corales reales: acumulando capas, tomando forma desde adentro hacia afuera. Había algo honesto en trabajar con telas que ya habían sido cuerpo, en dejarles ser otra cosa sin borrar lo que fueron.

Cada enredadera de coral fue tejida a crochet a mano. El punto fue elegido y ajustado para capturar la textura orgánica y el movimiento ondulante del coral en el agua: la lana responde al cuerpo igual que el coral responde a la corriente. Las tres prendas de la colección están inspiradas en tres especies de coral distintas, cada una con su propia lógica de crecimiento, color y ramificación.

• Investigación morfológica y cromática de corales marinos.
• Deconstrucción y preparación de prendas en desuso como base.
• Tejido a crochet a mano de cada enredadera y aplicación volumétrica.
• Dirección de arte: diseño de maquillaje, peinado y tocados por prenda.

Cada prenda de la colección fue pensada como una propuesta total. El maquillaje, el peinado y los tocados de cada modelo fueron diseñados en función de la especie de coral que representaba su pieza: los colores, las formas, la escala. La dirección de arte no fue un complemento estético, fue parte de la misma investigación.

La sesión fotográfica buscó capturar los colores reales de la colección y la relación entre el cuerpo y las enredaderas: cómo se mueven, cómo caen, cómo envuelven. El desfile se realizó en el Campus de Diseño de la UC.

La colección CORALES se presentó en desfile en el Campus de Diseño de la UC en 2025. Tres prendas, cada una inspirada en una especie de coral diferente, construidas sobre bases de ropa en desuso intervenidas con crochet a mano. La combinación de técnicas — upcycling, crochet, dirección de arte, buscaba demostrar que el diseño textil puede ser al mismo tiempo riguroso en su investigación y completamente artesanal en su ejecución.

CORALES me enseñó que la investigación de una forma natural puede ser tan rigurosa como cualquier proceso de diseño industrial. Estudiar los corales no fue una excusa estética: fue entender una lógica de crecimiento y traducirla a un lenguaje nuevo. Cada punto de crochet fue una decisión, no una decoración.

También aprendí que el upcycling cambia la relación con el material: no partes de cero, partes de algo que ya tiene historia. Eso obliga a escuchar lo que la tela quiere ser, no solo imponer lo que querías hacer. Es una forma de diseñar con humildad y con atención.

El primer proyecto consistió en desarrollar bordados para los jeans de la colección, buscando diferenciación en el área denim mediante detalles que combinaran tendencias actuales con técnicas tradicionales de bordado. La idea era explorar nuevas formas de expresión textil que aportaran creatividad, coherencia visual y personalidad a cada prenda.

Comencé dibujando diferentes formas y elementos visuales inspirados en la naturaleza a mano, utilizando técnicas como acrílico y acuarela sobre papel. Las ilustraciones fueron luego digitalizadas y vectorizadas para ser evaluadas y seleccionadas según su adaptación a la prenda.

Una vez seleccionadas las propuestas, desarrollé visualizaciones digitales para mostrar cómo se integraría el bordado en la prenda, ubicando los diseños en diferentes sectores para evaluar su proporción, composición y coherencia estética. También se definieron los colores del hilado en relación con el tono del denim, buscando armonía y contraste.

Luego se enviaron los diseños para realizar pruebas de bordado sobre tela. Estas muestras permitieron ver cómo se comportaba el hilo y revisar el acabado final. Una vez aprobado el resultado, se dio el visto bueno para las prendas que integrarían la colección: los jeans Josefa y Nora.

• Ilustraciones a mano con acrílico y acuarela, luego digitalizadas.
• Visualizaciones digitales del bordado aplicado a la prenda.
• Definición de colores de hilado según tono del denim.
• Pruebas de bordado sobre tela y ajustes finales.

El segundo proyecto fue diseñar propuestas de bordado para la chaqueta Gracia, perteneciente a la colección OI 2025. El objetivo era incorporar un diseño con estética bohemia, usando elementos de la naturaleza y animales, que se integrara de forma fluida a la estructura de la chaqueta sin sobrecargar su diseño general.

Desarrollé digitalmente una serie de patrones inspirados en un estilo animal, presentando múltiples opciones de posición y tamaño sobre la prenda. Una vez seleccionado el patrón final, el diseño fue dividido en 4 partes, especificando el tamaño y distribución de cada una, y se elaboró una ficha técnica detallada para el fabricante con las especificaciones de pespunte, color y ubicación exacta de cada bordado.

El tercer proyecto consistió en diseñar un nuevo estampado para la polera modelo Alas de la colección, renombrada Estrella. La prenda debía mantener la línea de diseño de la marca — estética bohemia con temática animal — pero aportar un carácter más rockero y juvenil. El estampado debía combinar imagen y texto, transmitiendo un mensaje relacionado con la libertad o el espíritu libre.

Luego de varias propuestas y evaluaciones en conjunto con el equipo, se seleccionó una estrella con textura animal y efecto desgastado, acompañada del texto "Wild Spirit". Se elaboró una ficha técnica para el fabricante con paleta de colores, dimensiones exactas y disposición del diseño. La prenda fue incorporada a la colección LPK Otoño-Invierno 2025.

Esta práctica fue mi primer contacto real con el ritmo de trabajo de una marca de moda. Aprendí que el diseño textil en una empresa no es solo crear: es comunicar, justificar y adaptar. Cada propuesta tiene que responder a un brief, a un contexto de producción y a una identidad de marca que ya existe y que hay que respetar sin perder creatividad.

También aprendí que los procesos de producción tienen sus propios tiempos y exigencias — desde la digitalización de una ilustración hasta la ficha técnica para el fabricante, cada paso tiene consecuencias concretas sobre el resultado final. Trabajar en LPK me enseñó a pensar el diseño de principio a fin.

El título no fue arbitrario. Revelar opera en dos direcciones simultáneamente: los archivos de Nelly Richard ya contenían un revelar, el de la sociedad, la censura, la crítica política y cultural de una época. Pero ese revelar necesitaba ser interpretado, traducido, mostrado con una mirada nueva para que pudiera ser recibido hoy.

La idea central fue que el libro mismo funcionara como un acto de revelación. Por eso el objeto incluye un sobre que lo cubre por completo: el libro no se entrega abierto. Quien lo toma tiene que abrirlo, descubrirlo. Revelarlo. La experiencia de lectura comienza antes de la primera página.

El proceso fue completamente manual y deliberado. Desde la elección de los papeles hasta el empastado final, cada decisión estuvo motivada por el contenido: no había espacio para lo neutro. Se trabajó con los archivos originales de Nelly Richard, textos, imágenes, documentos, y se reinterpretaron visualmente, buscando que la forma de presentarlos amplificara lo que decían, no que lo decorara.

• Investigación y lectura profunda de los archivos de crítica de Nelly Richard.
• Desarrollo de concepto gráfico propio a partir de los textos seleccionados.
• Diseño interior y exterior, tipografía y diagramación completamente a mano.
• Encuadernación, selección de sustratos y terminaciones.

La materialidad no fue un cierre del proceso sino parte del argumento. Cada sustrato, cada terminación, fue elegida para que el libro se sintiera como algo que carga peso, no solo conceptual, sino físico. Un objeto que no se hojea livianamente.

• Tipografía Spectral Regular. Títulos 30 pt, subtítulos y texto corrido 20 pt.
• Sustratos: Ahuesado 80 gr y Diamante 80/85 gr.
• Terminaciones con cuño seco (bajo relieve).
• Encuadernación Hotmelt con tapa dura (cartoné).
• Sobre exterior que cubre el libro por completo — el objeto se revela al abrirlo.

El libro fue expuesto en la muestra Diálogos Impresos, realizada en Il Posto — José Miguel de la Barra 480, of. 201, Santiago — durante noviembre de 2024. La exposición reunió diez publicaciones de 30 estudiantes de diseño que dialogaron con obras y documentos del Archivo Il Posto, revisitando el trabajo de cinco figuras clave de la escena artística chilena de los años 70 y 80.

REVELAR fue una de esas diez publicaciones. Ver el libro expuesto fue confirmar que la idea funcionaba: la gente lo tomaba sin saber qué era, lo desenvolvía, lo abría. El gesto de revelarlo era parte de la experiencia, no solo del concepto.

REVELAR me enseñó que el diseño editorial puede ser, a la vez, un acto de interpretación y uno de posición política. No se trata solo de dar forma a un contenido: se trata de decidir cómo ese contenido llega, cómo se siente, qué pide del lector. Trabajar con los archivos de Nelly Richard fue entender que la escritura crítica no envejece — se actualiza cada vez que alguien la recibe de una manera nueva.

También aprendí que hacer todo a mano no es un método, es una declaración. Cada costura, cada papel elegido, cada cuño es una forma de insistir en la presencia de quien hizo el objeto. Eso es lo que quería que se sintiera al abrirlo.